In conversazione: Max Cooper

In conversazione: Max Cooper

Le immagini e l’estetica hanno sempre giocato un ruolo enorme nel lavoro di Max Cooper . Musicista elettronico di professione, il background di Cooper nella biologia computazionale ha pesantemente informato il suo processo creativo nel corso degli anni – mantenendo sempre un occhio attento su come le collaborazioni visive potrebbero completare i suoi lussureggianti paesaggi sonori techno. Il quinto album di Cooper, ‘Unspoken Words’, non fa eccezione.

Una stellare odissea di 13 tracce che esamina l’esperienza universale dell’essere umano, l’LP vede Cooper condurre gli ascoltatori attraverso esperienze di evasione e connessione nel suo stile inimitabile, con storie personali di riflessione, accettazione, lotta, idealismo e rifiuto. Il disco è anche supportato da una metanarrazione visiva Blu-ray, cementando ulteriormente l’acuta reputazione di Cooper per la collaborazione visiva. Ma mentre le immagini sono un aspetto importante del procedimento, è la musica che porta tutto insieme.

Paul Weedon lo ha raggiunto per discutere il progetto.

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Puoi spiegare meglio cosa significa per te “Unspoken Words”?

Credo che la musica abbia questa grande capacità di bypassare il linguaggio e andare direttamente alle nostre intuizioni e sentimenti ed è un metodo di comunicazione. Si prende un’istantanea del modo in cui ci si sente in un determinato momento e la si mette in forma musicale. Poi, si spera, l’ascoltatore ottiene almeno una parte di quella stessa sensazione che sei in grado di comunicare qualcosa di veramente interiore, che è il motivo per cui molti di noi amano la musica. Ci permette di condividere le sfide dell’essere umani e dell’amare le persone e condividerle in un modo davvero personale… A volte può farti ballare, o qualsiasi altra cosa. Può alterare i nostri stati d’animo. Tutti noi condividiamo stati emotivi comuni e sfide comuni, sfide mentali, e semplicemente viviamo tutti nello stesso mondo. Quindi penso che in teoria chiunque possa condividere le stesse esperienze e idee che ho messo nell’album.

Come artista audiovisivo, c’è qualcosa di incredibilmente testuale nel tuo lavoro. L’artwork per Emergence sembrava una rappresentazione visiva molto forte di quel disco. Uno conduce l’altro?

Penso che il collegamento sia l’apprezzamento comune che c’è un radicamento nella natura, ma non solo guardando un albero o andando in qualche bel posto in vacanza. Voglio dire, cos’è la natura? Quali sono i sistemi su cui la natura è costruita? La copertina di Emergenza di Andy Lomas era una simulazione di particelle appiccicose. Aveva milioni di particelle appiccicose che rimbalzavano in giro in modo casuale, e se iniziavano ad attaccarsi tra loro, naturalmente si verificava questo processo simile alla crescita. Quindi quello che è successo con l’opera d’arte è stato che hai ottenuto questo oggetto emergente, bello, che ricorda molto una struttura biologica. Sembrava una felce o qualcosa del genere, e in realtà, la copertura era in questa doppia elica, che si riferiva al DNA, quindi poteva influenzare un po’ le strutture, ma aveva ancora questo aspetto di crescita casuale… E otteneva queste strutture emergenti che sembravano natura riconoscibile, anche se non lo erano. Era totalmente simulata.

A che punto le immagini e la musica collidono?

Amo questa estetica e queste idee. A volte posso metterle nella musica. C’era un brano su quell’album chiamato ‘Order from Chaos’, dove stavo cercando di lavorare con quest’idea di emergenza: come si può far sì che un sistema casuale crei un sistema musicale emergente? Avevo queste registrazioni di gocce di pioggia che colpivano la mia finestra e le gocce di pioggia erano tutte casuali. Ma poi sono stato in grado di forzare ogni goccia di pioggia sempre più verso una griglia di tamburi, in modo che da questa casualità, lentamente, emergesse questo ritmo. Poi ho costruito il pezzo di musica intorno a quel ritmo…

I collegamenti sono lì davvero alla base in termini di ciò che mi interessa: l’estetica della natura, l’estetica dei sistemi naturali, e la massa e la biologia e la chimica – queste idee sono sempre con me esteticamente, perché questa è la mia formazione. Non ho una formazione musicale o artistica. Ho una formazione scientifica. Quindi ho una sensibilità estetica, che è legata alle stesse idee che ho messo in tutti i video musicali, perché sono in grado di trovare persone che possono simulare queste cose… Sto cercando persone che hanno un’estetica, che è legata alla mia estetica, e sto usando la mia estetica per fare musica e loro stanno usando la loro estetica per fare le immagini.

Capisco che l’effettivo processo di creazione di alcuni di questi pezzi può richiedere ore. Se riesci a quantificarlo, qual è il tempo più lungo che hai trascorso su una specifica traccia? Ed è mai veramente finito?

Quando sono nei periodi di scrittura, diciamo che passo 12 ore al giorno a scrivere, se lo faccio per sette giorni su un brano e poi potrei passare un mese sul brano [does calculations] sono solo 336 ore.

Gesù.

Non è così tanto! Pensavo che sarebbe stato più… È difficile da dire, ma fondamentalmente divento davvero ossessionato quando scrivo musica. Voglio dire, la amo. Ci trovo l’evasione e una sorta di terapia. Mi si addice molto, fare musica. Ma è anche molto ossessivo e mentre sono nella zona, devo solo continuare ad andare avanti, davvero a martellare su di esso e stare sveglio tutta la notte e spingere e spingere. Ogni volta che trovo qualcosa, poi devo cercare di estrarlo.

L’inizio del pezzo di musica è come se vedessi che c’è qualcosa che sta iniziando a venire fuori e sono come, ‘Devo estrarre questa cosa da me stesso’ ed è proprio come cercare di strapparla. E generalmente quando finisco un pezzo di musica, questo processo mi lascia davvero esausto. A volte mi ammalo un po’, non dormendo bene e questo genere di cose.

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Sì, tutta quella cosa sull’essere una forma di terapia viene un po’ meno.

Sì, è vero. Capisco cosa vuoi dire. A volte è davvero doloroso. La parte iniziale dello scrivere un pezzo di musica è di solito molto divertente ed è davvero la parte terapeutica. Te la stai davvero godendo. Ma poi cercare di finire un pezzo di musica, a volte diventa molto doloroso – in particolare quando ho 200 strati di roba in corso ed è un casino, ma è molto soddisfacente, anche quando è difficile. E’ soddisfacente finire. Ma come hai detto tu, non è mai finito. C’è sempre di più che può essere fatto, ma devo essere pragmatico, perché la musica è il mio lavoro e devo finire le cose.

Devo pubblicare le cose, altrimenti non vengo pagato. Quindi ho bisogno di pubblicare musica. Quindi devo dire, ok, mi sono dato un limite di tempo. E dico che questa cosa deve essere fatta entro questo tempo. E farò il meglio che posso. E poi, e a volte lo butterò via, a volte arriverò a quel punto in cui avrò fatto il meglio che posso, e ci avrò speso mesi, e poi penserò che non è abbastanza buono e non lo pubblicherò.

C’è ovviamente una distanza tra te che registri qualcosa e poi lo fai uscire. Qual è l’arco di tempo? Quando è stata registrata la maggior parte di queste tracce rispetto all’album che uscirà a marzo 2022?

Ho iniziato molto del lavoro durante il primo blocco. Probabilmente è passato un anno e mezzo. Voglio dire, li avevo finiti tutti ben sei mesi fa, se non di più, quindi probabilmente ci ho lavorato per un anno e mezzo dall’inizio alla fine… Penso che con il lavoro creativo in generale, qualsiasi cosa che richieda un punto di vista soggettivo sul fatto che sia buono o cattivo, allora sei in un mondo di dolore quando è il tuo lavoro e hai completamente perso la tua soggettività perché hai passato così tanto tempo a lavorare su quella cosa. Penso che sia lo stesso per un sacco di lavoro creativo.

In termini di lavorare da solo su qualcosa come questo, perché è qualcosa che vivi e respiri per un così lungo periodo di tempo, quando lo dai all’etichetta qual è il processo? So che non è come lavorare con una band dove puoi far rimbalzare quella roba su un collaboratore creativo.

Man mano che sono invecchiato e ho fatto più uscite, sono diventato sempre più propenso a non avere alcun input da qualcun altro con la musica. Ho attraversato una fase in cui ho cercato di avere input da ogni parte e ho cercato di pensare a dove la mia musica si adattasse, e cosa funziona e cosa non funziona e tutta quella roba. E ha portato ad alcuni dei peggiori lavori che ho fatto.

Penso che ci sia qualcosa nel cercare di essere onesti ed esprimere un sentimento e un’idea nel modo più onesto e accurato possibile e non preoccuparsi di quale genere sia, e se alla gente piaccia o meno. E penso che la mia esperienza sia stata che quelli in cui ho ottenuto l’espressione più onesta sono quelli che piacciono di più alla gente, al contrario di cercare di costruire qualcosa che piaccia alla gente, o che sia ritenuto ‘corretto’, o ottenere il feedback di altre persone. Penso che, in particolare per il tipo di musica che faccio, questo sia ciò che sto cercando. Sto cercando di trovare il modo di esprimere i sentimenti umani, suppongo. E, e per me questo significa, in realtà, meno feedback. E semplicemente cercare di essere più onesto con me stesso è la strada.

Il sito Symphony in Acid è pazzesco, comunque. Qual è stato l’impeto dietro? È una sorta di arte perduta fare cose con l’HTML in quel modo.

Ho collaborato con Ksawery Komputery, l’artista del codice. Ha costruito il sito web, è il maestro del codice che può fare le cose fighe che io non posso fare. Ma sì, abbiamo fatto un progetto insieme prima sul remix di Joep Beving che ho fatto. Ha costruito questo progetto video basato sul codice davvero incredibile, quindi con alcuni dei progetti del nuovo album, stavo cercando di comunicare cose che non riuscivo a mettere in parole. E poi mi sono chiesto, come posso fare delle analogie visive di queste cose? E poi alcune di queste, potevo fare delle analogie visive abbastanza direttamente. Per alcune di esse avevo bisogno di aiuto con l’analogia visiva, e ho pensato di rivolgermi a Ludwig Wittgenstein, che era un filosofo che affrontava questo problema delle parole e le difficoltà di comunicare con il linguaggio che abbiamo, e le ambiguità e gli errori che il nostro linguaggio introduce nelle nostre conversazioni…

Sono andato da Ksawery e gli ho semplicemente chiesto se poteva trovare un modo di prendere tutte le tracce audio e sincronizzare le tracce al testo vicino a questi testi di Wittgenstein. Dare in pasto questo testo di filosofia incomprensibile e folle che ha a che fare con i problemi del linguaggio e del nostro posto nel mondo… e poi sincronizzare il tutto con questo pezzo di musica davvero complesso, denso e rigidamente strutturato che si adatta alla rigida struttura incomprensibile del testo. Quindi c’era una sorta di legame estetico.

Hai incoraggiato le persone a creare interpretazioni visive del tuo lavoro. Questo senso di comunità creativa sembra essere una cosa davvero grande per te.

Sì, è eccitante. Ci sono un sacco di angolazioni diverse. Ecco perché amo fare questi progetti. Comincio con un tema e poi comincio ad approfondire e a parlare con i collaboratori, e loro tornano con altre idee e fanno rimbalzare le cose. Ogni collaborazione e ogni idea genera altre idee. È un modo davvero piacevole di lavorare. Non devo scrivere musica. Mi piace molto leggere di scienze e filosofia nella natura e chiacchierare con la gente e avere questo scopo più ampio per il mio lavoro mi mantiene interessato, fondamentalmente.

Mesh, la mia etichetta, ha aperto un canale Discord ed è stato fantastico… Ci sono così tante opportunità che si aprono al momento con la tecnologia e le arti, fondamentalmente. È un piacere passare del tempo con persone che stanno lavorando su queste cose. Davvero irreale e stimolante.

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C’è anche un importante elemento visivo nell’album. Vale la pena menzionare il Blu-ray che accompagna il disco. È come se ci fosse un intero ecosistema che accompagna il disco.

Sì, c’è. Ogni pezzo di musica ha così tante idee all’interno e poi sono collegate a idee visive e poi ci sono progetti visivi, e poi tutti i progetti visivi uniti insieme in una narrazione… ma non voglio nemmeno che la gente debba sapere di queste cose. Voglio che l’album funzioni come una cosa a sé stante. Se si ottiene qualcosa dall’ascolto, allora è tutto ciò che conta. Tutto il resto della roba non ha davvero importanza, a meno che tu non sia interessato, penso che sia solo lì. Questo è il modo in cui generalmente presento le cose: qui c’è la musica, c’è un video, se sei interessato puoi leggere la descrizione del video, e poi questo probabilmente ti manderà su alcuni link ad altre cose e puoi andare più in profondità se vuoi andare fino in fondo e puoi arrivare ai miei saggi e ai video casuali di YouTube che spiegano le cose.

Cercherò di fornire più profondità possibile, ma non credo sia necessario. Non credo che il più delle volte, quando vado in un museo a vedere l’arte, non voglio leggere il perché. Dovrebbe farmi sentire in un certo modo. Voglio solo guardarla e dare la mia interpretazione e poi dopo, forse leggerò qualcosa su di essa e la confronterò, ma mi piace lasciare che l’arte faccia la sua parte e c’è molto da dire sull’avere le nostre interpretazioni delle cose e ottenere ciò di cui abbiamo bisogno dall’arte piuttosto che sentirci dire cosa dovremmo provare.

Cambiando leggermente argomento, sei diventato il primo artista techno a suonare all’Acropoli di Atene l’anno scorso.

Penso che dipenda da cosa si definisce come ‘techno’. Penso che John Michel Jarre abbia suonato lì molto tempo fa… Dipende da cosa lo si definisce. Penso di essere al sicuro lì – è una questione di definizioni, ci sono stati altri concerti lì in passato. Ma sì, è una cosa rara.

Cosa ha significato per te suonare lì?

L’Acropoli è in cima a questa collina dove c’è il Pantheon, questo famoso sito di filosofi antichi e il resto. E il Teatro di Erode Attico è la parte che ho interpretato, che è costruito in quella collina – è come un anfiteatro naturale costruito nella collina dell’Acropoli. Quindi è proprio questa scala epica, storica, spettacolare. È davvero intenso. E la cosa che lo rende così intenso è che è enorme. Penso che l’anfiteatro contenga circa cinquemila persone o giù di lì…

Sei immerso nella storia, ma poi l’acustica è davvero stretta perché è stato progettato prima dell’amplificazione, ovviamente, quindi l’acustica è progettata in modo tale che puoi sentire dal retro del teatro. Puoi sentire qualcuno che parla sul palco, quindi c’è una sensazione acustica molto vicina. Ma quando si combina questo campo acustico molto vicino con questo spazio enorme, si crea un’esperienza insolita. Sembra semplicemente strano. Ti aspetti questa grande e fredda sensazione cavernosa, ma ottieni questa sensazione molto vicina e calda… È una specie di luogo magico, fondamentalmente, e una delle esperienze più intense e speciali che avrò mai, credo.

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‘Unspoken Words’ è disponibile ora.

Words: Paul Weedon // @twotafkap
Credito fotografico: Alex Kozobolis

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